102 Tips de producción musical, grabación, mezcla y masterización!

102 Tips de producción grabación, mezcla y masterización!

Esta esta una serie de micro-programas están destinamos a compartir tips y consejos de producción musical, para que tu mismo puedas afrontar tus proyectos musicales. Lo interesante es que después de cada tip hay una explicación basada en mi experiencia sobre como desarrollo en mi día a día los procesos de producción. Estoy seguro que te servirán y te darás cuenta que todos pasamos por los mismos retos y problemas.

 

1 Antes de entrar al estudio de grabación para grabar tu próximo disco, ORGANIZATE, con esto quiero decir… pre-produce tus canciones, un arquitecto nunca levanta un edificio sin hacer un plano de exactamente todo lo que se va a construir, en la música es igual, trabaja en cada parte de la base rítmica, las líneas de bajo y guitarra, termina la letra y las melodías, no llegues al estudio a improvisar y pretender que saldrá bien.

 2. Haz maquetas de pre-producción, graba absolutamente todo (no tienes que ser un ingeniero de audio), puedes usar también algún instrumento virtual para hacer las baterías, percusiones, bajos y pianos de referencia.

 3. Practica y estudia tus maquetas, el metrónomo en ese momento es tu mejor compañero, llega completamente preparado al estudio a hacer tu mejor registro de grabación.

 4. La autogestión es fundamental, pero puedes buscar estudiantes de producción musical o de música para hacer un equipo de producción y crecer entre todos.

 5. Un Productor Musical, tiene conocimientos de música y audio, debe tener la habilidad de trabajar con cualquier tipo de música (aveces no)  seguramente puede sugerir arreglos y detalles para hacer mas profesional tu proyecto.

 

 6. Si vas a trabajar con músicos de sesión, envíale las maquetas y las partituras con tiempo para que pueda estudiar. Leer a primera vista… claro que es una opción, pero para grabar hay que sentir y transmitir.

 7. Reconoce el trabajo del músico de sesión (es su trabajo) págale… el también quiere vivir de la música, si es tu amigo y no te va a cobrar, por lo menos invítalo a almorzar.

 8. El primer secreto para que tus grabaciones suenen realmente profesionales y poderosas, es tener un buen músico, si toca o canta bien (se logra practicando día a día) el resto sera mas fácil.

 9. El segundo secreto es el instrumento, no esperes sonar espectacular si tu guitarra tiene las cuerdas oxidadas y no esta calibrada. No digo que tengas un instrumento muy costoso, pero lo mínimo es que esté en buen estado.

 10. Las cuerdas nuevas de guitarra y bajo siempre sonarán mejor.

 

 11. Lleva un orden de grabación, usualmente se suele comenzar por los elementos de percusión, luego el bajo, pianos y teclados, guitarras acústicas, guitarras eléctricas, metales y al final voces y coros.

 12. Si grabas percusiones dedica un buen tiempo en afinar los tambores, esto será determinante en el sonido final, la afinación es fundamental. Busca un percusionista que sepa como debe sonar exactamente. (No olvides siempre experimentar).

 13. Los platillos en la batería te darán la clave del sonido que buscas, no todos los platillos sirven para todos los géneros musicales, si tienes esa limitante, busca unos prestados, alquila o haz un trueque.

 14. ¿Con cuántos micrófonos es lo mínimo que puedo grabar una batería? Respuesta: Uno, no te compliques, antiguamente los ingenieros tenían pocos recursos y la única salida era ser creativo, busca varias posiciones y haz pruebas, siempre encontraras alternativas interesantes de crear un concepto.

 15. Si dispones de varios micrófonos,  ten siempre presente que seguramente tendrás problemas de fase entre varias señales… se sumarán y cancelarán frecuencias. Guarda siempre un micrófono para el “Room” ese es el sonido de la batería.

 

 16. En el mercado existe sordinas para eliminar armónicos indeseables de los tambores, pero también puedes tener siempre a la mano un rollo de cinta de papel, te sorprenderás lo buena que es.

 17. Hay muchas maneras de ubicar los micrófonos para la batería, investiga y prueba, si te gusta el sonido, no hay nada mas que discutir. Lo importante es lo que suena.

 18. Nunca descuides el pedal del bombo y el hi hat, en ocasiones suelen “Chirrear” y serán un gran problema cuando vayas a mezclar.

 19. El mejor amigo del percusionista es el metrónomo, asegúrate de que escuche bien el metrónomo y la armonía guía sobre la que va a tocar y grabar.

 20. Si tienes problemas con el metrónomo, es mejor que pares la grabación, estudia y regresa días después mas preparado.

 

 21. Puedes grabar un bajo perfectamente con las entradas DI de tu interfaz.

 22. Asegúrate que el cable de línea del bajista no te genere ningún tipo de ruido o tierra.

 23. Puedes usar una caja directa para convertir la señal no balanceada a balanceada.

 24. En grabaciones de poco o ningún presupuesto a veces no contamos con un amplificados de bajo. ¡¡¡Si dispones de uno grábalo!!!

 25. Graba siempre la señal “limpia” y la que capturas del amplificador del bajo. Escucha las diferencias.

 

 26. Los pianos eléctricos y teclados siempre tienen salidas L y R, siempre graba las dos, puedes “panear” a los extremos y tener la imagen estéreo.

 27. Si dispones de salidas y entradas MIDI, también puedes grabarla simultáneamente con las salidas de línea, puedes editar luego nota por nota y buscar diferentes sonidos en un instrumento virtual. Crea varias capas, eso llevará tu canción infinitas posibilidades.

 28. A los instrumentos musicales representativos de cada pais dedícale tiempo a buscar su mejor captura. Recuerda que eso genera una identidad sonora y cultural.

 29. Usualmente se usan micrófonos de condensador para grabar el instrumentos de cuerdas como guitarras acusticas, un tiple o un cuatro, no te limites, busca combinaciones con micrófonos dinámicos, técnicas de grabación estéreo o colócale un “Room” a ver que puedes conseguir.

 30. Si tienes un método de grabación para  instrumentos latinoamericanos… compártelo. Es difícil conseguir documentación.

 

 31. ¿Eres ingeniero de audio? Saca tiempo y aprende a tocar un instrumento musical. No tienes que ser un experto, pero eso te familiarizará con el lenguaje de los músicos.

 32. La guitarra acústica es muy común en nuestras producciones latinoamericanas, no hay herramienta de edición o mezcla que la haga sonar bien, si primero no fue tocada bien y segundo no se grabó “correctamente” lo cual es subjetivo.

 33. Prueba con un micrófono cerca del puente de la guitarra si quieres un sonido con buen contenido en baja frecuencia.

 34. Si quieres un sonido con mas contenido en alta frecuencia, ve moviéndote con el micrófono por el  diapasón, prueba y déjalo donde mas te guste.

 35. Es interesante si usas dos micrófonos con una técnica de grabación estéreo donde registres esos dos tipos de sonoridad y puedas usarlos en la mezcla.

 36. Escucha tus canciones de referencia he intenta intuir como grabaron las guitarras.

 37. Los guitarristas eléctricos dependen mucho de sus pedales de efecto y amplificadores. Graba con lo que tienes.

 38. Los plug-ins de emulación de amplificadores y efectos pueden ayudarte mucho. No los hagas a un lado.

 39. Siempre graba la señal “limpia”, para poder hacer re amps de ser necesario.

 40. Graba las guitarras rítmicas 2 veces “exactamente iguales”, para doblarlas y panearlas a los extremos, tendrás un resultado espectacular. Si dispones de varias guitarras, graba una para L y otra para R.

 41. Si doblas guitarras puedes buscar cambiar la ecualización o el “color” para darle su espacio a cada una, inclusive, si dispones de dos amplificadores… úsalos!!!

 42. Las líneas principales y solos pueden ir al centro.

 43. Las voces son algo muy delicado, el estado de ánimo se transmitirá en la grabación, asegúrate de que tu cantante este en las mejores condiciones.

 44. Intenta que pocas personas… o no haya nadie mas en ese momento, es fácil intimidar a un cantante. Apaga las luces y comienza a grabar.

 45. Si eres quien controla la grabación.. genera confianza, cuando te pida opinión… di la verdad, eres su psicólogo en ese momento.

 46. Siempre ten especial cuidado en la afinación, pero lo mas importante es la interpretación, debe transmitir emociones. Eso es la música, emociones.

 47. Usa un filtro pop, si no tienes uno, puedes fabricarlo con una tela o medias panty.

 48. Prueba diferentes micrófonos; condensadores o dinámicos.

 49. También puedes pensar en doblar voces para darle potencia a alguna parte de la canción… como en los coros.

 50. Graba las segundas voces con otro micrófono, genera diferentes “colores”.

 51. Cuando hay varias personas haciendo coros, ubícalos alrededor del micrófono (recomiendo que pongas el micrófono en patrón polar omnidireccional) y haz varias tomas. Panealos a los extremos, tendrás un coro mas grande.

 52. Haz mínimo 3 tomas de todos los instrumentos que grabes, así puedes hacer un compilado de los mejores momentos de cada toma y hacer una toma completa.

 53. La mayoría de programas de grabación te dan la opción de hacer un “Playlist” para hacer varias tomas en el mismo canal de audio.

 54. Graba toda la canción, ese es el trabajo del músico.

 55. Fácilmente puedes copiar y pegar estrofas o coros, incluso hacer loops, pero no somos robots… dale al oyente algo en lo que te esforzaste cada segundo por hacer.

 56. En cada toma de grabación, ten una relación muy cercana con tus pre amplificadores de micrófonos, intenta grabar con una buena relación señal-ruido, para tener un audio saludable.

 57. Cuando estas grabando, un buen límite es : -3 dbs en tu medidor pico de señal de entrada.

 58. Deja de pensar que todo se arreglará en edición. Tócalo, cántalo y microfonealo bien.

 59. Puedes pensar en cuantizar tu base rítmica y demás instrumentos.

 60. Puedes afinar cada palabra del cantante usando un corrector de afinación.

 61. Puedes cuantizar y afinar, es totalmente valido, pero ten en cuenta que cada vez mas te alejas de la toma original, a veces lo que escucha el oyente son mentiras nuestras hechas en laboratorio. Tómalo como gustes.

 62. Antes de comenzar a mezclar, define el concepto. Toda la música se mezcla diferente.

 63. El lugar donde vas a mezclar es determinante en lo que escuchas. Tu entorno puede engañarte. Por eso acondicionar una sala de mezcla es tan importante. Aunque no debe ser una limitante, recuerda que poco a poco iremos progresando.

 64. Busca información de donde colocar adecuadamente tus monitores o altavoces.

 65. Estudia la mezcla de tus discos favoritos, ¿Cómo suena el bajo, la batería, las guitarras, las voces?

 ¿Dónde ubicaron cada instrumento en el panorama? ¿En qué plano de volumen están?.

 66. Anteriormente sugerimos comenzar la grabación desde los instrumentos de percusión, también sugerimos arrancar la mezcla desde allí, tu canción necesita una base para montar el resto del edificio. ¡Nada es regla!

 67. En el caso de que sea una batería, comienza por el bombo, paso a paso agrega el redoblante, hi hat, toms, y overheads.

 68. Elimina las frecuencias que no se necesitan de tus canales de audio. Seguramente tu hi hat, no necesita información de 300 Hz hacia abajo, coloca un filtro pasa altos, hazlo! definirá cada instrumento.

 69. No trabajes la ecualización de tus instrumentos en “Solo” tal vez suene increíbles así, pero no encajen en la mezcla, mezcla con todo sonando, será mas real.

 70. Intenta no exagerar la ecualización y compresión, busca un sonido natural… claro, hay efectos interesantes que puedes hacer.

 71. Si no grabaste el “Room” de la batería, prueba enviar tu señal de batería a un bus y simular un “Room” con un Plug-in de Reverb. Sonará con mas “espacio”.

 72. Cuando tengas tu mezcla de batería, súmale el bajo, debe trabajar en conjunto con tu bombo, deben ser un matrimonio… hasta que la muerte los separe.

 73. Es hora de sumar elementos armónicos como pianos y guitarras.

 74. Valora el uso de un filtro pasa altos sobre pianos y guitarras para dejar libre ese espacio en frecuencias al bombo y bajo.

 75. Comienza a panear los instrumentos. Piensa en: ¿Dónde estarán en el escenario?

 76. Introduce las voces lo mas pronto posible que puedas y consideres necesario, la banda debe trabajar en función del cantante, el mensaje que quiere transmitir se debe entender.

 77. Cuando tengas tu primera mezcla de volumen y paneo, es hora de exportarla y escucharla en otro lugar. Puedes tomar un descanso y regresar a la canción el día siguiente. Cuando pasas 5 horas trabajando en una mezcla, puede que pierdas el horizonte.

 78. Cuando retomes la canción, comienza a ponerte creativo, usa efectos de Reverb y Delay para contextualizar la mezcla.

 79. Usualmente se usa reverb tipo “Room” para las percusiones, “Hall” para pianos y guitarras, Plate para Voces, en definitiva, haz lo que mas te guste.

 80. El uso del Delay debe estar cuidadosamente colocado para que funcione con el tempo de tu canción. Algunas veces no cumplo esta regla.

 81. ¿Es necesario que la voz tenga todo el tiempo Delay?

 82. Automatiza para generar dinámicas de volumen, paneo y efectos de envío.

 83. Haz una mezcla 1 y envíala a los músicos, pídele sus comentarios y sugerencias. Trabaja en sus comentarios y haz la mezcla 2. Tal vez la mezcla 5 sea la final.

84. Dicen que una mezcla nunca se termina, simplemente se deja.

 85. Intenta no usar plug-ins en el “Master Fader”, pueden interferir en tus dinámicas de mezcla.

 86. ¿Puedes ir mezclando y masterizando al tiempo? No deberías, el mastering ya tendrá su momento. Enfócate en la mezcla suene bien.

 87. Cuando tengas la mezcla final intenta que tu pico máximo de señal no pase de -3 dBs, así el ingeniero de mastering tendrá rango dinámico para trabajar, el te lo agradecerá.

 88. ¿Debes masterizar tus propias mezclas? Nadie te dice que no, pero si tu grabaste, editaste y además mezclaste, seguramente estarás cansando de escuchar lo mismo una y otra vez, la objetividad es fundamental para la masterización.

 89. Un ingeniero de mastering que nunca ha escuchado la canción puede escuchar problemas que tu nunca te diste cuenta y ser objetivo.

 90. La masterización es el último momento en el proceso de producción, allí se tomarán decisiones importantes sobre la mezcla como un todo.

 91. Lo primero que debes hacer antes de tocar el primer ecualizador, es algo muy sencillo… Escuchar críticamente. Esa escucha también va a estar determinada por tu entorno y sistema de monitoreo.

 92. Piensa siempre en donde los escuchas van a reproducir tu material, tu trabajo debería escucharse bien en cualquier sistema de audio.

 93. Con el eculizador debes buscar frecuencias que estén generando problemas, intentar corregir, no abuses del eculizador… si es necesario, pídele al ingeniero de mezcla que regrese a la mezcla y ataque el problema en el multitrack.

 94. Muchos plug-ins de emulación de equipos análogos, pueden darle algo de carácter a tu masterización.

 95. El compresor te ayudará a estabilizar los picos de tu mezcla, puedes comenzar con un ataque muy rapido y una relajación media.

 96. Mucha compresión afecta la dinámica de las canciones, intenta mantener la dinamica del musico y de la mezcla.

 97. El limitador es tu último recurso en el proceso de mastering, úsalo moderadamente, busca información sobre “La Guerra del Volumen”.

 98. Prepara la entrega final, haz los fundidos de entra y salida. Aveces es una alternativa muy creativa.

 99. Si tu audio final va para un disco, asegúrate de usar el “dither” para pasar de 24 bits a 16 bits.

100. Compara tus producciones con artistas relacionados. Entenderás cual es el siguiente paso en que debes trabajar.

 101. Trabajemos en conjunto, ayudémonos entre todos.

 102. Comparte tus conocimientos. Hagamos que nuestro mensaje llegue, pero que además llegue sonando bien.

Si leíste toda la lista espero que algo te sirva.

¿Que agregarías tu?

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